Trabajo Final Grupal
Docente: Rosa Benites
Tema: Arte peruano contemporáneo
Integrantes: - Emilio Guarnizo Chalco
- Miguel Clendenes Oyola
- Johan Boulangger Silupú
- Crhistian De la Cruz Moscol
- José Jacinto Girón
Piura, Julio de 2012
Introducción:
En
el Perú el arte se desarrollo con mayor influencia en el periodo contemporáneo.
Esta tendencia se plasmó en una nueva expresión plástica, a inicios de la
década de 1940. Surgió una nueva generación de pintores, que sin perder su
entorno real social, expresaron mayor libertad plástica y un deseo por
experimentar las nuevas técnicas que aparecían en el mundo de la pintura. En
las pinturas más representativas de los autores peruanos se trabajan con
cuerpos humanos, y cada uno tiene su forma de expresar, es decir tiene su
sello.
Representantes:
Edmundo Rios Pita: (Realizado por Emilio Guarnizo Chalco)
Este
artista peruano nació en Lima en el año 1957, en el ámbito artístico lleva
cerca de treinta años. Edmundo estudió arte desde el año 1974, primero con la
señora Cristina Galvez, luego en la escuela de Bellas Artes con maestros de la
talla de Humareda, Camino Brent y Servulo Gutierrez. En el año 1985 expuso en
la mejor galería de Ivone Briceño, mujer artista que también tuvo a los mejores
entre sus listas. Este artista de gran importancia se caracteriza mayormente
porque sus obras tienen un corte post-impresionista.
Obras más importantes:
1. “Las barcazas del Perú”
En esta obra podemos apreciar variedad en el plano
compositivo de la pintura, no posee simetría ya que el espacio compositivo
tiene muchos elementos. En mi opinión el centro de interés de esta bella
pintura son las barcazas en el muelle, que llaman la atención del espectador,
el autor ha utilizado colores claros con un poco de colores oscuros para darle
el contraste necesario. La pintura no tiene sensación de movimiento pero sí de
profundidad gracias a la técnica utilizada por el autor.
En mi opinión yo creo que el pintor ha querido transmitir
a los demás con esta representación de las barcazas, el esfuerzo que hacen los
pescadores artesanales de nuestro país, que día a día salen a pescar para
nosotros, pienso que la finalidad de la obra es entender el esfuerzo en sí que
ellos hacen. Con lo que respecta a las influencias del artista, yo pienso que
su influencia fue el ismo post-impresionismo por la técnica utilizada, que
apareció aproximadamente en el año 1880 para renovar el arte de aquella
época.
Esta obra presenta las siguientes características del
post-impresionismo:
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva y
modulada.
- Técnica de pinceladas cursivas que intentan expresar el
esfuerzo de los pescadores.
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas,
buscando la armonía de las masas cromáticas.
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la
expresividad de los objetos.
- Empleo de colores contrastantes para definir los planos
y formas.
2. “Los amantes”
En
esta pintura podemos apreciar una unidad en el plano compositivo, que
representa el amor de dos seres humanos. La obra de arte tiene simetría en los
cuerpos humanos. Después de analizar la obra detenidamente creo que el punto de
interés es el gran beso que estos dos amantes se están dando con gran pasión.
Los colores utilizados en la obra son oscuros predominantes y claros en pequeña
cantidad para darle el contraste. La obra tiene sensación de movimiento porque
representa un momento específico de la realidad y no tiene sensación de
profundidad.
Para
mí la obra representa el amor que fluye y existe en las parejas que se aman en
cuerpo y alma y que darían la vida por su pareja, cabe resaltar que el amor es
uno de los sentimientos más puros que puede existir y creo que eso es lo que el
autor a tratado de reflejar con su obra. Con lo que respecta a las influencias
del artista, en esta obra nuevamente se ve influenciado por el
post-impresionismo por la técnica en la obra.
Esta
pintura presenta los siguientes rasgos del post-impresionismo:
- Utilización de colores contrastados para darle vida a
la obra de arte.
- Técnica de pinceladas cursivas largas que intentan expresar
sentimientos.
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la
expresividad de las figuras humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico y el gusto
puramente estético.
- Empleo de colores contrastantes para definir los planos
y formas.
Augustín Rojas Baca: (Realizado por Miguel
Clendenes Oyola)
Obras más importantes:
1º Obra:
Esta pintura representa en mi opinión el estrés que puede tener un
ser humano y el miedo que le puede causar cualquier cosa.
Simetría: no hay mucha simetría porque el cuerpo humano esta de costado y no se centra bien en la imagen.
Ritmo: si hay ritmo.
Colores: tienes colores muy opacos y oscuros.
Espacio: se ve que se encuentra encerrado en alguna habitación con mucho ruido lo cual representa miedo y estrés.
2º Obra:
Esta pintura representa en mi opinión la belleza del cuerpo humano y la belleza que puede representar el cuerpo de una mujer que puede ser lo mas hermoso para los seres humanos.
Variedad: como este autor refleja siempre en sus pinturas sola una persona y sola una cosa en un ambiente no tan amplio.
Simetría: podemos ver que la imagen esta en el centro y se puede distribuir la parte izquierda del cuerpo con la otra parte derecha del cuerpo de la mujer.
Ritmo: tienes un buen ritmo con los colores que fluyen del cuerpo.
Colores: solo vemos algunos que se caracterizan por el azul y colores casi oscuros.
Espacio: se ve que esta en un ambiente no tan amplio.
Ángel Chávez: (Realizado por Johan Boulangger Silupú)
Nació en Trujillo(1929-1995) Departamento de La Libertad, Perú.
Dedicó su vida a su mayor pasión: la pintura. Ángel Chávez es, sin duda, una de
las grandes figuras de la plástica peruana del siglo XX. Eximio dibujante y
colorista sin igual, su obra -para vergüenza de muchos- aún no ha merecido una
retrospectiva.
Obras más importantes:
1. "Bella y violín"
En esta obra con sus colores representa
pasividad y calma un ambiente
tranquilo y pasivo que tiene como principal
figura a dos mujeres, una tocando
un violín que pareciera tocar una melodía muy
armoniosa, la otra mujer
representa la belleza con una postura muy llamativa,
en el fondo se ve un
cielo muy despejado
y claro, esta es una obra muy llamativa ya que
representa la belleza de la
mujer norteña.
2. "Marinera y palomas"
Esta obra representa un baile
típico norteño,
el autor nos da un mensaje claro
de su origen y lo que siente por el.
Con colores cálidos y teniendo como
protagonistas a los bailarines que
parecieran que están bailando, haciendo unos
movimientos muy reales que
hacen sentir el baile. Un fondo cálido que nos dice
que están un lugar cerrado
como un salón donde se practica la elaboración de
cerámica típica del norte.
Enrique Galdos Rivas: (Realizado por Jose Jacinto Girón)
Galdos Rivas
es uno de los pintores más reconocidos de América Latina. Cuenta con una
trayectoria de 44 años en la pintura y más de 2000 obras, así como innumerables
exposiciones alrededor del mundo. Galdos egresó de la Escuela Nacional de
Bellas Artes en el año 1959 condecorado con la medalla de oro en su categoría.
Sus maestros fueron Germán Suárez Vértiz en dibujo, Sabino Springett en pintura
y Ugarte Eléspuru en grabado.
En 1961 obtuvo una beca otorgada por la División
de Cultura en Itamaratí (Cancillería Brasileña) y en 1967 ganó por concurso una
beca a la Argentina. Ha ejercido la docencia en el Instituto Art Center (1960 –
1967) y en la Escuela Nacional de Bellas Artes desde 1968 hasta 1995, año en el
que fue designado Profesor Emérito. Galdos Rivas
se caracteriza por los colores puros y fuertes, que en paralelo reflejan su
proyección personal alegre y bohemia, como buen artista. Igualmente, es
cautivado por los mantos, tejidos y cerámicas precolombinas, así como la
composición y el color de los vitrales de las Iglesias, influencias que han
enriquecido su obra.
Como experto de la pintura abstracta y figurativa, no se
limita a esos estilos. Su trabajo es una integración de formas, luz, color y
balanceada composición. Galdos describe su obra como “una fiesta de
sentimientos y colores”.
Obras más importantes:
1. "Elemento arcaicos"
Componentes visuales
Alineación:
Alineación:
Compresión: elementos individuales pero alineados de forma que parece una grupo homogéneo y tiene un aspecto estatico.
Simetría: disposición con simetría lateral de elementos individuales con respecto a un eje vertical y horizontal. Produce un efecto estatico
Simetría: disposición con simetría lateral de elementos individuales con respecto a un eje vertical y horizontal. Produce un efecto estatico
Crea una ilusión de una textura rugosa.
2. "Cuadro de psico"
Componentes visuales:
Compresión: elementos individuales pero alineados de forma que parece una grupo homogéneo y tiene un aspecto estatico.
Simetría: disposición con simetría lateral de elementos individuales con respecto a un eje vertical y horizontal. Produce un efecto estatic
Crea una ilusión de textura lisa.
Ricardo Wiesse: (Realizado por Crhistian De la Cruz Moscol)
Ricardo Wiesse
Rebagliati (Lima, 1954) es uno de los artistas plásticos más importantes de la
escena peruana. Su trayectoria se inicia con los estudios universitarios en la
Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), pero debe rastrearse hasta la
matriz familiar, con el fin de alcanzar un entendimiento cabal de los orígenes
del interés del artista por la costa peruana. La hacienda Buenavista, ubicada
en el valle de Chao (departamento de La Libertad), era propiedad de la familia
de la abuela paterna del artista, y fue, como las demás haciendas costeras que
vertebraban el patrimonio de la élite criolla, objeto de la reforma agraria
emprendida por el gobierno del general Juan Velasco (1968 – 1975).
De niño, Wiesse vivió sus primeros años en este entorno
rural, al que continuó yendo durante la adolescencia. La huella del paisaje
costeño, de los arenales silenciosos, el mar y los intermitentes valles, así
como su patrimonio arqueológico, había sido impresa de manera indeleble en la
sensibilidad del futuro artista plástico; en términos del humanismo alemán, en
su bildung Wiesse encontró en la PUCP un clima propicio para el
esclarecimiento vocacional, el adiestramiento técnico y la formación de una
severa disciplina, merced a la enseñanza del fundador de la Facultad, Adolfo
Winternitz. El maestro enfatizaba la asunción del arte como forma cuasi
religiosa de asumir la experiencia estética y la actividad plástica verificable
en la producción de obra.
En otras palabras, Winternitz no ofrecía a sus
discípulos una mera enseñanza de las reglas del oficio, o la transmisión de su
testimonio de pintor abstraccionista y notable vitralista; proponía más: optar
por el arte de manera radical, esto es, entenderlo como una forma de articular
la conciencia y dar sentido a la existencia. A sus aportes se sumaron los de
Alejandro Alayza, con quien Wiesse compartió
la pasión por la pintura de caballete. Complementariamente, la participación de
Fernando de Szyszlo, en calidad de jurado, apoyó al joven Wiesse en la elucidación de los problemas inherentes
a la formación universitaria (1972 – 1978).
Obras más importantes:
1. "Tres arenas, ensambles y pinturas"
El Santuario
de Pachacamac es la inspiración de la nueva muestra de Ricardo
Wiesse, quien en Tres Arenas presenta un conjunto de
ensamblajes, pinturas abstractas y representaciones realistas del más uno de
los más importantes centros de peregrinaje de la costa peruana.
Tres líneas discursivas
distintas convergen en un solo lenguaje, con el que el artista entabla un
diálogo entre lo contemporáneo y lo prehispánico. “El arte puede ayudar a
ciertas causas de la naturaleza básica para el establecimiento de una comunidad
cultural. El respeto por su pasado, por sus escenarios naturales, por su
patrimonio histórico, por su oxígeno agua. Sin eso no hay vida civilizada,
señala Wiesse.
Con la abstracción de lo natural, el paisaje es más “colorido”, ya no es
solo tierra y moldes, ahora la esquematización fuera de nuestro mundo real se
da en líneas, zonas particulares y trazos que nos dan varias texturas. El
impulso que provoca representar la aspereza de la tierra en contraste con la
suavidad de la arena, junto a los bloques de agua y grietas del suelo es
idealizado a tal punto que todo pierde equilibrio y se organiza en un caos
calmado y dominado por el artista. Las tonalidades secas logran la finalidad
tosca de la tierra en conjunto, logra remontarnos al silencio de los marrones,
celestes – ¿del cielo o del agua?-, negros y verdes que nos suelen invadir
frente a estos paisajes.
Como elemento constante aparte de la textura de los
cuadros, las ondulaciones típicas de una duna es una llave maestra que se
muestra como insignia naturalista. No hace falta que nos expliquen esta serie,
aquí si está la naturaleza perdida de nuestra costa andina y el mundo místico
que voló sobre ella.
El montaje contenedor de las piezas ensambladas es lineal. Se repite la
misma intención que en los abstractos, la intención del conjunto de elementos
diferentes entre sí pero que dan a lugar a un grupo de volúmenes y fuerzas al
tacto y a la vista que es fácil de separarlos. Las formas de las molduras no
develan sus secretos, pero el colorido y el cuerpo como dice el mismo Wiesse
“están juguetonamente entre la pintura y la escultura”, pero en realidad no
juegan, creo que sí llegan a ser una pintura y escultura, cosa que necesitaba
el artista para representar lo que quería.
Ricardo Wiesse se ha caracterizado por la interpretación de su naturaleza, que lo acompaña desde su infancia norteña, no puede dejar de lado el amor a la tierra, a su historia natural, social y mítica. En esta muestra organizada por el ICPNA nos presenta un nuevo capítulo o quizás un nuevo mundo revalorizado por él –Wiesse-, por su preocupación por tener el amor a nuestro ambiente natural, nuestro oxígeno, nuestra agua, la tierra que nos soporta y que poco a poco podemos perderla.
Ricardo Wiesse se ha caracterizado por la interpretación de su naturaleza, que lo acompaña desde su infancia norteña, no puede dejar de lado el amor a la tierra, a su historia natural, social y mítica. En esta muestra organizada por el ICPNA nos presenta un nuevo capítulo o quizás un nuevo mundo revalorizado por él –Wiesse-, por su preocupación por tener el amor a nuestro ambiente natural, nuestro oxígeno, nuestra agua, la tierra que nos soporta y que poco a poco podemos perderla.
